Recientemente, la obra The Shyness of Trees de Shu Bingqing, graduada de la especialidad de Animación de la promoción de 2016 de la Facultad de Animación y Arte Digital de la Universidad de Comunicación de China, fue seleccionada para la lista corta (Shortlist) de los Óscar al Mejor Cortometraje de Animación.
La lista es votada por un jurado profesional de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos. Las obras que entran en consideración provienen principalmente de las obras premiadas en los principales festivales de cine calificados por los Oscar (Oscar Qualifying Festivals) de todo el mundo de ese año. The Shyness of Trees se abrió paso entre cientos de las mejores animaciones premiadas a nivel mundial, avanzando con éxito al top 15 mundial. Actualmente, esta obra continuará compitiendo por las únicas 5 nominaciones finales al Oscar a Mejor Cortometraje de Animación.
Introducción al premio
Los Premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (Academy Awards), conocidos simplemente como los Premios Óscar, son establecidos por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (AMPAS) y constituyen el honor más antiguo, influyente y de mayor prestigio en la industria cinematográfica mundial.
La categoría de Mejor Cortometraje de Animación que estableció es particularmente competitiva, y tiene como objetivo reconocer obras de animación innovadoras tanto en su forma artística como en sus técnicas. Los ganadores del Oscar al Mejor Cortometraje de Animación a lo largo de la historia incluyen a muchos maestros de la animación, como el cofundador de Pixar, John Lasseter; el maestro de la animación stop-motion de Aardman Studios, Nick Park; y el director de Padre e Hija, Michael Dudok de Wit, entre otros.
Acerca del autor
Shu Bingqing se graduó en la especialidad de Animación (Animación 3D y Efectos Especiales) de la promoción de 2016 de la Facultad de Animación y Arte Digital de la Universidad de Comunicación de China. Posteriormente, cursó un máster en Animación de Personajes y Producción de Cine de Animación en la promoción de 2022 de la Escuela de la Imagen Gobelins de Francia.
La obra ha sido nominada y premiada en cerca de 50 festivales internacionales de cine de animación, incluyendo una nominación al Mejor Cortometraje de Animación en los Premios BAFTA para Estudiantes de la Academia Británica de Cine y Televisión, el Premio Especial del Jurado Infantil en el Festival Internacional de Animación Animocje de Polonia, y el Premio a la Mejor Película Estudiantil en el Festival de Cine Smalls del Reino Unido, entre otros.
Obras representativas: The Shyness of Trees, Maduro (proyecto de graduación de licenciatura de la Universidad de Comunicación de China, director: Liu Dayu)
Introducción de la obra
Helen, de unos cuarenta años, va a visitar a su anciana madre en la campiña francesa. Pero su madre no es la misma de siempre. Parece haber formado un vínculo peculiar con las plantas, los insectos y el viejo roble al final del jardín...
Entrevista exclusiva
Pregunta: En el cortometraje, el vínculo entre la madre y la naturaleza está retratado de una manera muy conmovedora. ¿Cuál fue la inspiración para esta historia?
Nuestra inspiración inicial provino de la reflexión de Loïck, miembro del equipo, sobre la realidad de que sus padres envejecerían y fallecerían. La idea original de esta historia surgió cuando se preguntó: ¿Cómo será el mundo cuando mis padres ya no estén?. Esta pregunta no es grandilocuente, pero es extremadamente real y es una cuestión emocional que casi todo el mundo afrontará en algún momento de su vida.
Cuando compartió la idea con el equipo, descubrimos que todos podían identificarse con ella a partir de sus propias experiencias. Durante el proceso de creación colectiva, poco a poco centramos nuestra perspectiva en la relación madre-hija y, a través del medio de la naturaleza, dimos una forma más clara de expresión a la despedida, la herencia y los sentimientos inefables.
Pregunta: ¿Cómo se convirtió el tema tan profundo y universal de la muerte en el núcleo creativo y logró unir a un equipo transnacional?
La muerte no es un tema que hayamos elegido para crear una sensación de pesadez, sino una experiencia vital ineludible. Precisamente porque es universal, real y lo suficientemente íntima, se convierte en un tema que permite a personas de diferentes orígenes culturales situarse en el mismo punto de partida emocional.
Durante el proceso creativo, cada miembro del equipo compartió muchas historias sobre sus madres, abuelas y recuerdos familiares. Estos intercambios hicieron que la creación dejara de ser una discusión abstracta para basarse en emociones reales. Fue precisamente este intercambio sincero lo que permitió que un equipo transnacional estableciera rápidamente confianza y consenso.
Pregunta: ¿La cooperación transnacional enfrenta problemas de diferencias culturales? Al explorar temas delicados como las relaciones madre-hija y el ser humano y la naturaleza, ¿cómo encontrar un punto de entrada que resuene con audiencias globales?
Al principio, partiendo de la idea de que “mamá se convirtió en árbol”, intentamos escribir el guion sin un marco preestablecido. Discutimos y refinamos poco a poco muchos borradores, y finalmente determinamos que el tema central de la película se enfocaría en la relación madre-hija y cómo afrontar la muerte de un ser querido. La separación y los lazos afectivos son desafíos que, probablemente, todos los seres humanos enfrentarán. La identidad del personaje es solo un pretexto; esta despedida podría ser para cualquier persona o cosa amada en tu vida. Cuando el “tener que soltar” entra en conflicto con el “te necesito”, ¿cómo logra el personaje reprimir su “necesidad” para seguir la naturaleza y respetar la vida? Finalmente, se despide por última vez con una bendición. Esto es lo que el equipo quería presentar de manera unánime: este sentimiento existe en la propia humanidad y trasciende las barreras culturales.
Al final, antes de que Hélène se despidiera de su madre, si debía decir directamente Mamá, te quiero, las elecciones de los miembros asiáticos y europeos fueron completamente opuestas, pero todos estos problemas los resolvimos rápidamente mediante votación.
Pregunta: ¿Cómo logró el equipo, a través de la construcción de un estilo visual, expresar esta sensación de timidez y, al mismo tiempo, lograr una transición sutil entre las escenas realistas y las sobrenaturales, dado que el título de la película, La timidez de los árboles, está lleno de alusiones?
El título de la película, La timidez de los árboles, es en sí mismo una metáfora. La timidez no se refiere a la fragilidad, sino a un estado de existencia de contención, introspección y discreción. Esperamos que la naturaleza no exprese emociones de forma antropomórfica, sino que exista de una manera tranquila pero constante.
En cuanto a la atmósfera visual general, nos hemos visto muy influenciados por películas de terror folclórico, como *Midsommar* y *The Wicker Man*. A nivel emocional, también hemos tomado como referencia películas que exploran las relaciones familiares, como *Hereditary* y *Lady Bird*. En la composición y el uso de la luz y la sombra, las películas que más nos han influido son algunos filmes en blanco y negro de estilo muy marcado, incluyendo *The Night of the Hunter*, *The Lighthouse* y *Persona*.
Reforzamos esta sensación a través de la luz y la sombra, la composición y el ritmo, manteniendo siempre difusa la línea entre la realidad y lo sobrenatural. El público no necesita saber con exactitud dónde empieza lo irreal, sino que es guiado gradualmente a un estado entre lo real y lo simbólico, que es el espacio emocional que esperamos que experimente.
Pregunta: ¿Cuál es su identidad creativa en esta obra de co-creación? ¿Tiene alguna experiencia creativa exclusiva o ha encontrado alguna dificultad memorable?
Desde el principio, no nos pusimos etiquetas de funciones claras. Durante el proceso de producción, cada uno encontró de forma natural el rol en el que era mejor y al que se dedicaba más. Al principio, se llevaron a cabo numerosas reuniones de equipo para discutir y debatir sobre el estilo artístico y la dirección narrativa. Una vez que se definieron el guion, el storyboard y la dirección visual, comenzó la producción intensiva.
Participé principalmente en el arte conceptual, el diseño, la animación y la composición final. La dificultad principal que encontré fue que el personaje que hacía la animación labial hablaba francés. Al enfrentarme a un idioma que no conocía bien, lo más difícil fue entender la pronunciación y el acento de las líneas, así como el significado y la emoción, para poder integrarlos en la actuación animada. Afortunadamente, no teníamos muchas líneas, por lo que el tiempo necesario para aprenderlas no fue excesivo.
Pregunta: ¿Qué papel clave cree que desempeñó su alma máter en la remodelación de sus conceptos de creación de animación y su estilo técnico? ¿Qué experiencias durante sus años universitarios le resultaron especialmente útiles?
La Universidad de Comunicación de China fue la primera ventana a través de la cual realmente conocí la creación de animación. Aquí comprendí las posibilidades de la animación como medio creativo, y conocí a muchos profesores y compañeros llenos de ideales, dispuestos a experimentar y expresarse. Este entorno y atmósfera me han beneficiado hasta el día de hoy.
A nivel técnico, la Universidad de Comunicación de China me proporcionó una base completa y sólida en la producción de animación. La universidad organizó numerosas actividades que me permitieron estar en contacto constante con los contextos creativos y las perspectivas de la industria más recientes. Fue una etapa universitaria muy enriquecedora y feliz.
Si hubiera que destacar alguna experiencia especialmente útil en esta cooperación internacional, sin duda serían la creación conjunta en el tercer año de carrera y el proyecto de graduación. Estas valiosas oportunidades creativas no solo fortalecieron mi capacidad de colaboración, sino que también me permitieron experimentar todo el proceso, desde el concepto hasta la obra completa. Estas experiencias desempeñaron un papel muy importante en el trabajo en equipo transnacional.
Pregunta: Para los estudiantes de cursos inferiores que están explorando direcciones creativas, ¿qué les aconsejaría para pulir sus obras y encontrar una expresión creativa que sea fiel a sí mismos y que, al mismo tiempo, pueda dialogar con el mundo?
Lo más importante en la creación siempre es: encontrar aquello que realmente te importa, y no lo que crees que deberías filmar. La tecnología avanzará con el tiempo, pero lo que realmente te sostendrá para completar una obra será, sin duda, una emoción o un problema que no puedas dejar de lado fácilmente.
La sugerencia específica es persistir en la creación y el registro, intentando dibujar o escribir todos los días. Solo expresándolo y plasmándolo en papel podrás, sobre esa base, cosechar mejoras continuas e integrar una creación verdaderamente propia. No temas que tus ideas no estén maduras; lo importante es mantener la honestidad y la apertura.
Pregunta: ¿Qué beneficios o reflexiones adicionales obtuvo al completar este trabajo?¿Cuáles son los planes de creación y las direcciones de estilo para el futuro?
Después de terminar The Shyness of Trees, mi mayor sentimiento fue: cuando eres lo suficientemente honesto contigo mismo, la obra encontrará a su público por sí sola. Este proceso me hizo reinterpretar el significado de la creación, que no es demostrar una habilidad, sino establecer una conexión.
En el futuro, sigo esperando explorar temas relacionados con las personas, ya sea la familia, la memoria o la identidad. Al mismo tiempo, también espero seguir probando nuevas posibilidades en cuanto a forma y estilo, para que la forma de expresión crezca junto con la experiencia creativa.
El artículo fue traducido por un gran modelo.
Editor: Eco
